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利部 志穂 -マントルプルーム ― イザナミ、ペレの怒り。SHIHO KAGABU Mantle Plume -The Anger of Izanami and Pele
September 7 - October 6, 2019

 この度KAYOKOYUKI では、9 月7 日(土)より、彫刻家 利部志穂(かがぶ・しほ)の個展「マントルプルーム ― イザナミ、ペレの怒り。」を開催いたします。文化庁新進芸術家海外研修制度の助成により、2 年間のイタリア、ミラノ滞在を経て、弊廊では約4 年ぶりの個展となります。どうぞご高覧ください。

 利部志穂は、生活の中で不要となったものや壊れて廃棄された拾得物、あるいはホームセンターで購入できる建築資材など、様々なモノを使用して彫刻作品を制作してきました。利部の作品においては、それらの多様なモノが有する日常的な意味や機能は解体され、組み合わされ接合されることによって新たな関係性が形成され、空間の中に置かれていきます。利部は、作品を構成するモノと自分自身は、どちらも同じく地球上の法則に従って存在しているのであり、その意味で、両者はつながっているのだと言います。これは、独立した存在としてモノそれぞれを認識していることを示しています。「人間が定義したルールは疑うけれど、地球的・宇宙的なルールを信じる」と言う利部は、モノに近づき、モノが発する声を聞きながら、その一部となって、自然の摂理とも言える生成や循環を展示空間に構築していくのです。

 我々の先祖は、人間には抱えきれないような自然の驚異や説明のできない事象を、神話や民話などの物語によって考え、理解しようと試みてきました。本展覧会のタイトル「マントルプルーム ― イザナミ、ペレの怒り。」は、地殻から発生する流動化したマントルの柱が地表に吹き出す火山活動が、日本とハワイに伝わる火山の女神であるイザナミとペレのように、嫉妬や怒りから人々を焼き尽くす女性になぞらえて神話化されていることからつけられています。このタイトルに示されているように、本展覧会では、物理的な自然現象という側面と、人間的な物語性という側面の双方向からアプローチされています。

 地球の奥深くに秘められたエネルギー(=マントルプルーム)が地表に噴出することで起こる火山活動。普段は目に見えない巨大なエネルギーは、ある時は地震として、またある時はマグマとして、我々の眼前に立ち現れ、地球そのものを変形させます。意味が解体され、機能を持たなくなったモノを新たに発見し、自然界の法則のもとに関係性を再構築していくという利部の彫刻制作のプロセスは、マントルプルームが、地球の内部で重力に抵抗し、様々な美しい柱を形作りながら噴き出すというプロセスになぞらえることができます。そして両者は、「地球的・宇宙的なルール」のもと、必然なプロセスだと言えるでしょう。利部にとって、彫刻とは、「時空を自由に移動する事が出来るメディア」であると言います。利部の彫刻は、地球の太古から秘められたエネルギーであるマントルプルームが時空を超えて地表に噴出するように、時空を刻みながら形作られていくのです。

利部 志穂(かがぶ・しほ)は、1981年神奈川県生まれ。2017年より文化庁新進芸術家海外研修制度の助成を得て、2年間ミラノを拠点に活動。現在は東京都在住。
「所沢ビエンナーレ “引込線2015”」旧所沢市立第2学校給食センター(埼玉、2015)、「KAKEHASHI Project」Japan Society(ニューヨーク、2014)、「アーティスト・ファイル2013ー現代の作家たち」国立新美術館(東京、2013)、同時期開催「タマがわ、たった火」実家 JIKKA / NADiff window gallery(東京、2014)、「発信 //板橋//2011 けしきをいきる」板橋区立美術館(東京、2011)、「VOCA展2010」上野の森美術館(東京、2010)、「返る 見る 彼は、川を渡り、仕事へ向かう公開制作51」府中市美術館(東京、2010)、「back to the drawing board]”もう一度始めから再構築する”」geh8 Kunstraum und Ateliers e.V.(ドイツ、2010)など。
http://www.kagabu.com/

We are pleased to announce our next exhibition by a sculptor Shiho Kagabu, “Mantle Plume – The Anger of Izanami and Pele,” starting September 7 (Sat.), 2019. After having stayed and worked two years in Milano, Italy aided by the Program of Overseas Study for Upcoming Artists of the Agency for Cultural Affairs, this solo exhibition will be the first in four years in our gallery. Please do not miss this opportunity.

Shiho Kagabu has created sculpture by utilizing various things such as everyday items which lost their usefulness, found objects which are broken and discarded, and building materials available at home improvement store.
In her artwork, Kagabu dismantles common meanings and functions of these diverse things, creates a new relationship through combination, and places it in a space. Kagabu says that either these constituents, as well as herself, are existent in the world according to the law governing the globe, and, in that sense, they are interrelated with each other. This remark shows that the artist recognizes every single thing as an independent entity. Kagabu also says that “I doubt the rules defined by humans, but I believe in the rules that are on a global, or even universal scale.” By harmoniously approaching and carefully hearing the voice of things, the artist attempts to set up in an exhibition space the state of creation and circulation that reflects the natural law.

Our ancestors tried to think and understand mysterious wonders of the nature and unexplainable phenomena through their narratives such as myths and folklores. The exhibition title “Mantle Plume – The Anger of Izanami and Pele” derives from the fact that volcanic activity of fluidized mantle from the earth’s crust spurts to the surface is likened to a female who incinerates people with the flame of jealousy and anger – Japanese Izanami and Hawaiian Pele, both of which are the goddess of the volcano in their myths. As the title suggests, this exhibition is approached from the dual aspects: the physical phenomenon of the natural world and narrativity of human being.

Volcanic activity is the spurt of hidden energy deep beneath the earth (mantle plume) toward its surface. The normally invisible enormous energy becomes visible as an earthquake in one instance and as magma at other times. By these means, the earth itself is transformed on a grand scale. Kagabu’s sculpture creation process – rediscovering the value of non-functional things whose meaning is dismantled and restructuring their new relationship in accordance with natural law – can be likened to the process of the mantle plume inside the earth spurts against the gravity, in the form of beautiful columns. Therefore, it can be said that both of them are inevitable processes controlled by “the rules that are on a global, indeed, universal scale.” Kagabu describes sculpture as “the medium that can freely move through time and space.” Shiho Kagabu shapes her sculpture by sculpting time and space just like the mantle plume, the earth’s contained energy from time immemorial, spurts to the surface following a timeless process.

Shiho Kagabu was born in 1981 in Kanagawa, Japan. Kagabu received Japanese Government Oversea Research Program Grant, Agency for Cultural Affairs and lived and worked in Milan, Italy from 2017 to 2018. Currently, lives and works in Tokyo.
Recently, Kagabu presented her work in "Tokorozawa Biennial of Contemporary Art "railroad siding 2015" in Saitama, "KAKEHASHI Project" at Japan Society, New York, 2014, "Artist File 2013:The NACT Annual Show of Contemporary Art” at The National Art Center, Tokyo, "TAMAgawa tatta hi” at JIKKA and NADiff window gallery, Tokyo, 2013, "Signals//Itabashi//2011 Live the landscape" at Itabashi ArtMuseum, Tokyo, "VOCA2010" at The Ueno Royal Museum, Tokyo, "Open Studio Program No.51" at Fuchu Art Museum, Tokyo, "back to the drawing board" at geh8 Kunstraum und Ateliers e.V., Dresden, Germany.

http://www.kagabu.com/
2019-09-08

Information

URLhttp://www.kayokoyuki.com/jp/190907.php
Address〒170-0003 東京都豊島区駒込2-14-14 JR 駒込駅 東口より徒歩1分 / 東京メトロ南北線 駒込駅 4番出口より徒歩3分 営業時間:水曜日-土曜日 12:00-19:00 / 日曜日 12:00-17:00 定休日:月・火・祝祭日

Other

今村 洋平 YOHEI IMAMURA peak 3601
November 9 - 24, 2019 あいちトリエンナーレ2019でご好評いただいた新作「peak 3601」を、東京にてお披露目展示いたします。短い期間となりますが、この機会にぜひとも足をお運びください。 今村洋平は、学生時代から一貫し、版画のシルクスクリーンというアナログな複製技術から、樹脂性のオイルインクを数百回、数千回と重ねる行為によって彫刻的な作品を制作しています。インクが通過する穴を、特殊な乳剤で直接スクリーンに描いて埋めていきながら版を作り、複雑な幾何学模様や、山脈の形状を作り出します。 新作「peak 3601」は、2016年の年末に制作を開始し、2019年の7月末まで、約2年半の歳月をかけて完成され、今村のこれまでの作品の中で最大サイズとなりました。タイトルの3601という数字は、インクを刷り重ねた全体の回数を示しています。完成に至るプロセスを記録した「log, peak」、「turn, peak」、「composition, peak」などの作品の中にも、今村による画期的なイノベーションと多くの試行錯誤が見てとれます。 「log, peak」は、メインピースを形成しているオイルインクの種類と、色と、重ねたレイヤーの数が記されたペインティングです。今村曰く、この記録を元に再制作する事が可能だという事です。カラーペンシルで描かれた文字の色は、約2年半に及ぶ制作期間の中で、その都度今村によってランダムに選ばれています。制作途中でパネルの下の部分が付け足され、記録はさらに側面まで及んでいます。右の側面に、最後の回数となった「3601」と記されています。 「turn, peak」は、メインピースを制作する為に制作した、120種類ある版の図柄それぞれを、計88枚の紙にプリントした作品ものです。1種類の図柄だけがプリントされているピースもあれば、2種類の図柄が重ねられたピースもあり、制作過程の中で画面のバランスを見てランダムに決定されています。画面に記されている番号は、そのピースにプリントされている版が何回目のものか、を示しています。前述の「log, peak」の記録と照らし合わせることで、メインピースのどのレイヤーを形成している版か、色か、という事がわかります。 「composition, peak」は、メインピースの下絵となったドローイングで、この設計図を元に、版の数や配置が決定されています。版の数と同じく、120種類のアクリル絵具によって色分けされています。 1978年福岡県生まれ。 「あいちトリエンナーレ2019 -情の時代」(愛知、2019)、「点と線の宇宙」藤沢市アートスペース(東京、2019)、「live printing」KAYOKOYUKI(東京、2016)、「CSP2 -手法の触感-」桑沢デザイン研究所(東京、2014)、「泉太郎キュレーション・有袋類」TALION GALLERY(東京、2012)、「camaboco 展」東京造形大学(東京、2010)、「Draw print book」esplanade(シンガポール、2008)、「ZOKEI賞」受賞(2003、2004)など。 神奈川県在住。 Yohei Imamura's new work "peak 3601" finally came back to Tokyo from Aichi Triennale. Please come and visit the gallery to enjoy the show. Limited time only, so please do not miss! Since his student days, Yohei Imamura has consistently created print art that can be associated with sculpture through the action of layering resinous oil ink hundreds and thousands of times, by employing manual duplication technology in silkscreen printing. By use of the screen which is created through filling the mesh openings with special emulsion by drawing directly on the screen, he produces complex geometric patterns or forms suggestive of mountain ranges. For this new work “peak 3601”, Imamura started to work on this project from the end of 2016 to July 2019, it took the artist two and a half years to complete and it has become the largest piece of his works. The number “3601” is the number of the ink layers, i.e. how many times the artist screen printed. Imamura’s breakthrough innovation and a number of “trial and error” are apparent in the works such as “log, peak”, “turn, peak”, “composition, peak” which show the records of art making process. “log, peak” This painting shows what kind of oils, colors were used and numbers of layers were silk-screened to produce the main piece “peak 3601”. Imamura says that it is possible to reproduce the work with this painting. The colors of the letters written with color pencils were chosen randomly by the artist through two and a half years of his artmaking. In the middle of production, the canvas was extended and Imamura continued to work on the sides. On the right side we can see the last number “3601.” “turn, peak” These 88 printed works are a collection of prints of 120 silk screen patterns that were used to produce the main piece. You will find pieces with only 1 pattern as well as the ones with 2 patterns. The artist decided to do so to achieve the best balance he desired on each sheet. The number stated on the sheet shows us which layer that pattern is used. By collating the number written on the edge of each sheet with the work “log, peak”, we can understand where each pattern and color is located in the final state of the main piece. “composition, peak” The main piece “peak 3601” is based on this drawing. The arrangement and number of patterns of the main piece were determined in accordance with this drawing. Imamura used 120 acrylic colors which is same as the number of patterns used to produce the main piece. Yohei Imamura was born in 1979 in Fukuoka, Japan. Recently, Imamura presented his work in "Aichi Triennale 2019 -Taming Y/Our Passion" at Aichi, 2019, "The universe consists of dots and lines" at Fujisawa City Art Space, Kanagawa, 2019, "live printing" at KAYOKOYUKI, Tokyo, 2016, "CSP2" at Kuwasawa Design School, Tokyo, 2014, ”Marsupials" curated by Taro Izumi at TALION GALLERY, Tokyo, 2012, "camaboco” at Tokyo Zokei University, Tokyo, 2010, ”Draw print book” at esplanade, Singapore, 2008. Lives and works in Kanagawa.
《終了間近》NEW INTIMACIES / ニュー・インティマシー by soda
現在、アーティスト・ラン・スペース soda の企画による展覧会「NEW INTIMACIES / ニュー・インティマシー」を開催中です。 残すところ1月31日、2月1日の2日間となりました。この機会に、ぜひご高覧ください。 NEW INTIMACIES / ニュー・インティマシー ・ 1月12日(日)〜 2月1日(土) 期間中の金、土、日、および祝日にオープン 12:00 - 19:00 *オープニング 1月12日(日)18:00 - 20:00 ・ Jan 12 - Feb 1 Open on Fri, Sat, Sun and Holiday 12:00 - 19:00 *opening reception : Jan 12 18:00-20:00 ・ soda 東京都豊島区駒込2-14-14 (@ KAYOKOYUKI) 2-14-14 Komagome, Toshima-ku, Tokyo *sodaがKAYOKOYUKIを借りて行います。 ・ curation: 菅かおる+田中和人 Kaoru Kan + Kazuhito Tanaka ・ organized by soda ・ Couples: 青木 真莉子(アーティスト) + 渡辺 豊(アーティスト) Marico Aoki (Artist) + Yutaka Watanabe (Artist) ・ 秋山 幸(アーティスト)+ 池崎 拓也(アーティスト) Miyuki Akiyama (Artist) + Takuya Ikezaki (Artist) ・ 今井 麗(アーティスト)+ 西村 有(アーティスト) Ulala Imai (Artist) + Yu Nishimura (Artist) ・ 今井 俊介(アーティスト)+ ライボ(ツナギトゲオイグアナ) Shunsuke Imai (Artist) + Laibo (Black spiny-tailed iguana) ・ 江口 悟(アーティスト)+ マツザキ サトミ(DEERHOOF) Satoru Eguchi (Artist) + Satomi Matsuzaki (DEERHOOF) ・ 片山 真妃(アーティスト)+ 千葉 正也(アーティスト) Maki Katayama (a¥Artist) + Masaya Chiba (Artist) ・ 菅 かおる(アーティスト)+ 田中 和人(アーティスト) Kaoru Kan (Artsit) + Kazuhito Tanaka (Artist) ・ COBRA(アーティスト)+ 八重樫 ゆい(アーティスト) COBRA (Artist) + Yui Yaegashi (Artist) ・ 竹崎 和征(アーティスト)+ 竹崎 瑞季(キュレーター) Kazuyuki Takezaki (Artist) + Mizuki Takezaki (Curator) ・ 増本 奈穂(保存食LAB)+ 増本 泰斗(アーティスト) Naho Masumoto (Hozonshoku Lab) + Yasuto Masumoto (Artist) ・ ローゼン ジェフリー(ギャラリスト)+ ローゼン 美沙子(ギャラリスト) Jeffrey Rosen (Gallerist) + Misako Rosen (Gallerist) ・ exhibition statement 普段、アートの世界では、作家性という「個人」を軸とした、美術館での個展、モノグラフ、批評もしくは論考が展開されている。そこではアーティストと他者との関係性は、脚注に留まる。では、スタジオをシェアしている仲間の作品の無意識な相互影響、食事の時に会話したあるアイディア、一緒に訪れた特別な場所での共通の体験などは、いったいどう作品に記録されているのだろう。 この展覧会は、アーティスト、またはアートに深く関わるカップルを招待する。彼ら、彼女らは、必ずしも常にコラボーレーションをする間柄ではない。そこでは批判もあるだろうし、妥協もあるかもしれない。棲み分けのようなものもあるかも知れない。ある時、その関係は何かしら終わりを迎える可能性もなくはない。でもそこにある「親密さ」とは何か? 現代の社会では、テクノロジーの進化や、インターネット、スマホの普及により、どこで今、何が起こっていて、何が話されているのか、私達はほとんど瞬時に知る事が出来るし、遠くの知人の極めてパーソナルな出来事をあたかも身近な事のように共有できる。人と人との関係は世界規模に拡大したけれど、やはりそこでは「親密さ」が通貨となっている。 感情の衝突や、日常性を通して育まれた「親密さ」、テクノロジカル・コミュニケーションを介した「親密さ」、相手の作品を理解しようと、通常の鑑賞者以上の努力や好奇心の果ての「親密さ」。このような「親密さ」を通過してアートという価値を共有している(かに思える)自らのパートナーにこの展覧会は焦点をあてる。そしてここでは、出来るならば、カップルとして共同の作業の中で作品を制作していただきたい。カップルは、小さな単位ではあるが、そこには、複雑な関係性が時間軸と感情の軸の中に存在している。その作品は、現代の超高度情報社会において、新たな「親密さ」として通常化するだろう。 文字通り「親密すぎる」関係であるカップルが、展覧会を通じて新鮮な価値を提示し、パブリックな場で交差させることで、ひとつの可能性を開くことができるのではないだろうか。「愛」と呼んだら大げさだが、私達は「New Intimacies/ニュー・インティマシー」を通じてそれを探求する。 ・ Institutions, exhibitions, publications, and art criticism – the various mechanisms of the art world - all revolve around the individual style of the singular artist. The relationships between the artist and his/her peers seems to remain in the background. Questions arise. How could we know if two artists sharing a studio influence each other? How could their ideas emerge out of discussions at the dinner table? Or how could their perceptions be shaped by the mutual experience of traveling together? This exhibition invites art couples. They are artists, gallerists, and curators. Many of the couples don’t collaborate regularly. Yes, they love each other, but they sometimes criticize each other too. In some occasions, they must compromise their wills for one another. They might even break up in the future. There’s so much complexity to a love relationship - what kind of particular “intimacy” could we locate between them? Today, we know what is happening, and what is being discussed around the world because of internet and smart phones. We can participate in the highly personal event of a friend who is far away as if it is happening right in front of our eyes. The relationships between people occur on a global scale, but “intimacy” is still a primal currency. The “intimacy” of two which is developed by spending everyday together. The “intimacy” of two as a result of emotional quarrel. The “intimacy” of communication behind the technological advancement. The “intimacy” of the struggle to understand your partner’s thought and art practice. This exhibition focuses on such exchanges between couples. The exhibition asks each couple to make artwork as a collaboration. A couple is a small unit, but its complexities exist in the history and emotional landscape of the relationship. Their artwork could claim a new standard in today’s highly speed information society. The couples will present unexpected values in this exhibition, and make them available toward the public. The possibilities of “new intimacies” are coming. It’s embarrassing to call this “love”, but this exhibition will discover it at last.
榎本耕一 写真展 「わたくしは鳥に抱き竦められて生きている」KOICHI ENOMOTO Photo Exhibition "Shadows of bir...
2月8日(土)より、アーティスト・ラン・スペース soda の企画による展覧会 榎本耕一 写真展「わたくしは鳥に抱き竦められて生きている」を開催いたします。ぜひ、ご高覧ください。 アーティスト・ラン・スペース soda は、2月8日(土)から3月1日(日)まで、 榎本耕一の写真展「わたくしは鳥に抱き竦められて生きている」を開催いたします。 画家である榎本耕一は、これまで、物語と現実、言葉とイメージ、過去と現在と未来などが、複 雑に重なり合いながら一つの総体として現前するような絵画作品を制作、発表してきました。 sodaは、2018年に企画したグループ展「画家の写真展」に榎本を招待し、そこで榎本は初の写 真作品4点を発表しました。 今回の個展は「画家の写真展」の先に位置するもので、榎本による写真作品で構成された初めて の個展となります。 写真によって「網膜になじむイミテーション性を獲得できれば」と語る榎本の新しい写真作品は、 保留され浮動する「芸術の気配」として立ち現れてくることでしょう。 この機会に、榎本耕一の写真による最新作を是非ご高覧ください。 2020年2月8日(土)〜3月1日(日) 期間中の金土日 12:00 - 19:00 オープン オープニングレセプション 2月8日(土) 18:00 - 19:30 会場:soda 東京都豊島区駒込2-14-14 (@KAYOKOYUKI) *本展覧会はsodaがKAYOKOYUKIを借りて開催します。 企画:田中和人(soda) 協力:TARO NASU KOICHI ENOMOTO Photo Exhibition "Shadows of birds" Feb 8 - Mar 1, 2020 Open on Fri, Sat and Sun 12:00 -19:00 Opening reception : Feb 8, 18:00 - 19:30 Venue : soda 2-14-14 Komagome Toshimaku, Tokyo (@KAYOKOYUKI) Curated by Kazuhito Tanaka (soda) Cooperated by TARO NASU Artist Statement 「僕は鳥に抱きすくめられて生きている」、という言葉が唐突に頭に浮かんだ。 鳥を飼っているせいばかりではない。 ただ暮らしているだけで、僕はあらゆる場所に鳥たちの生きている気配を感じている。鳴き声、飛ぶ姿、水浴び。 少し前、アメリカの大統領はイランの要人を殺した。 戦争の気配を感じた。 ある小説では、悪い予感を「黒い鳥が胸を横切るよう」と形容した。 爆音のかわりに、良くないものの気配だけが、飛ぶ鳥の影のように何度も行き来する。 数年間、僕をまじめさへの要請のようなものが捉えていた。 生来の下品さはたいしたことのないものになっていた。 期待する大爆笑は、皮肉によって骨を抜かれた。 本当の大爆笑は、凝り固まった現実の骨組みを軟化させるという進み行きをとるはずであったが、しかし現実の骨組みは最初から軟化していた。だからまじめさがあらわれた。 僕は精度の高い昆虫標本を作るようにして、現実に起こるひとつひとつ、ひとりひとりに対応していくことをこころがけたいという気になった。体系化という言葉に距離を置く。 それは視覚芸術を作る材料を触る手付きに影響する。ピンセットを使うのではなく、指をピンセットにするのだ。 新しいレンズは顕密な厚みを持って埃ひとつにも厳しい。見ることにおいて正確であるために、思考が邪魔しないように、ひとつひとつを勝手にまとめないために、ブレないために、透明のレンズは硬い。レンズという物体が僕に与える実感は、そのような言葉になる。 生きている瞬間瞬間、僕は鳥たちにだきすくめられ、言語の無い存在を感じるときにすこしだけ、言語、論理でできた顕密な地平の奥のほうがかすむ。 鳥の、動物の、芸術の気配を、画面に定着させるための、技術の確かさについて考える。確かさの精度を上げ、正確に表現するために。あるいは、正確に間違うために。 その間、僕はずーっと笑っている。 榎本耕一